股票配资选一起配资网跳起来，重新找回自己的“主体性”

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今年是NOWNESS天才计划举办的第7年，舞蹈影像创作实验室也迎来了第三批学员——2023年至今，我们延续与青年演员、舞蹈家尹昉和吴孟珂的合作，邀请到导演饶晓志担任联合导师，开展舞蹈影像创作实验室（Move a Movie Lab）的提案征集，最终收到近百份作品。

我们为什么跳舞？今年的提案大都呈现出更清晰的叙事取向，导师尹昉注意到，不少创作者都在探讨“自我与世界的关系”——从职场到情感，从个体经验到社会背景，舞蹈成为人们理解与表达自我的通道。

尹昉认为，如今舞蹈影像的突破不在于展示非凡的身体技能，而在于如何真正找到身体表达的独特视角——“今年的提案中，不乏有创作者希望尝试素人出演（非专业舞者训练），从日常动作和行为中提取身体语言、打破观众和舞者的无形壁垒；一向以非凡极限身体著称的陶身体剧团，也开始使用素人的身体素材创作《动作世界》，给舞蹈创作带来全新视角。”

最终入选的两份提案，分别是导演曹一诺的《失眠飞行模式》和导演郭容非的《梳头》。前者构建了一个被异化的失语世界，主角选择打破规则约束、重塑自我秩序；后者将视线聚焦在一场舞蹈比赛的后台，女儿在混乱和打结的过程中，追问和抵抗“母亲”这个缺席却又无处不在的概念。

导师尹昉告诉我们，在评选过程中，他会结合创作者的过往作品、注重想法的独特性和可落地性。作为舞蹈影像而言，尤其是在叙事类型中，如何定义和使用身体语言一直是他关注的重点，“不同舞蹈种类带有不同的地域、文化、社会背景，如何更好地提取舞蹈的属性结合叙事、完成情感表达和视听呈现，创作者的视角很重要”。

而导师饶晓志则更注重当下这份方案的逻辑性——相比套上层层概念的表达，他更欣赏那些从真实出发、用身体探索出的叙事。“创作者为什么要跳舞”、希望通过舞蹈来展现怎样的社会情绪，或是反映自身处境和某种文化议题，是一件更重要的事。

为什么会选择这两部作品？导师和导演在面试过程中有哪些碰撞交流？对于即将开始的舞蹈实验，大家又有哪些设想和期待？接下来的时间，我们交给创作者。

《失眠飞行模式》构建了一个被异化的世界，楼宇整齐排列，井然有序。所有人每天都在一样的房间，看着情景喜剧，吃着药片维持生命体征。这个世界观里有自己的阶级，有人被设定为情景喜剧创作者，有人被训练成观众，有人像马戏团动物一样负责表演。

最开始写这个剧本是在2023年秋天。那会我22岁，第一部短片《自由永》很幸运地被观众看到，自己的创作成为了真正的影像——在此之前，大家都觉得我是个开开心心的小孩，但当人们突然把我当成导演，那种感觉是很微妙的。

在我的世界里，拍电影应该和跳舞一样自由自在、不被拘束，但那段时间，总有人问我什么时候拍下一个片子、最近在搞什么创作，拍电影是有规则的、是要考虑受众的。我有点被束缚手脚，不敢落笔了。

当时我有一种世界在失控、人生不由己的感觉。某个失眠的夜晚，我打开电脑写完《失眠飞行模式》的第一版，很符合我的风格，暗黑暴力。天亮了，这个夜晚的故事被遗忘，静静躺在我电脑里两年——后来的日子里，我学会适应规则写故事，学会观察大家喜欢什么，学会不拍暗黑暴力、拍热血真情，认识很多坚持创作的朋友，但也始终觉得北京的天是灰色的。

直到我搬到了成都、搬家后整理电脑、看到《失眠飞行模式》，回想起那段经历，可能是每个创作者都会经历的成长痛——于是我写了第二版，希望能用更自由、更没规则的方式去创作，也希望创作者能和这些角色一样，打破规则约束，重塑自我秩序。

《自由永》，曹一诺

在《失眠飞行模式》中，主角马维是情景喜剧小丑木偶戏的创作者，厌恶着无意义的创作。马维笔下的演员就像小丑和提线木偶，但另一面，自己也是个被提线的木偶，这种掌控与被掌控的关系贯穿全片，我会用“小丑”与“木偶”的身份不停转换来推进故事。

在声音上，全片的音乐会是一种节奏型搭配音效，比如我会用不同调的“哈哈”、被扭曲异化的笑声，呈现主角身体失控的时刻；声音设计会与舞蹈排练同步进行，我希望这次创作会结合每一次排练舞者舞动的状态，用声音设计为他们搭建一个超现实的空间。

我是第一次拍摄舞蹈短片，也是第一次进行舞蹈相关的创作，我一直很爱玩《舞力全开》（Just Dance），常玩得不知天地为何物，有一种所有细胞都在律动的感觉，自由，这是我对舞蹈的第一印象。

肢体和舞蹈是一种很包容的语言：跳舞的人用他的身体在表达、在叙事，尤其在令人失语的现实环境里，肢体语言便更加动人。所以我认为叙事是最重要的——这部短片里没有一句台词，角色的身体就是他们的嘴，肢体动作就是他们的语言表达，我很期待用身体讲故事是一种怎样的体验。

舞蹈影像《梳头》讲述的是一个女孩在才艺比赛后台，孤独地模仿别的母亲给女儿梳头的动作——渐渐地，女孩的动作陷入挣扎与混乱，幻觉中，“母亲”的身影以粗暴的姿态出现，女孩只能用身体反抗，最后用梳子刺向那段既渴望又无法承受的情感。

对我来说，“母爱”既是温柔的期待，也可能是一种缺席的伤害。我对母性的想象往往来自别人的描述或是童年的观察，再加上一次次在自己心里反复建构出来的幻想。影片围绕“梳头”这一看似日常却很私密的动作展开，每一次的拉扯、打结和挣扎，都像是在追问和抵抗“母亲”这个缺席却又无处不在的概念。

在这段母女的幻象对决中，我想呈现的也不是单纯的个人记忆，而是一种更普遍的体验：母亲的存在与缺席都可能在女儿心中留下深刻烙印，都可能制造出压抑、对抗，甚至镜像般的纠缠。最终，在混乱和打结中，如何为童年受伤的自己找到一条继续前行的路？这是我想探讨的。

上：《今夜不设防》，郭容非

下：《红姐》，郭容非

在《梳头》中，我会参考法国印象派画家埃德加关于“梳头”的画作，把其中的姿态转化为舞蹈影像的身体语言，这些日常动作会成为舞蹈编排的支点；整体上，我会以现代舞为主，现代舞的自由度和张力不仅能更精准展现女孩的情绪起伏，也与主题呼应——它本身就是对秩序与控制的反抗。

而在这个基础上，我会吸收一些国标舞的元素，这个要感谢导师们在面试时给出的建议！因为国标舞的训练严格、竞争激烈，背后也映照着母亲对孩子的高要求，甚至连发型都不允许出错，这和“梳头”背后的隐喻有着天然的关联，同时，国标舞中一些具有力量感的表达也可以融入编排。

在高潮段落，我希望结合弗拉明戈的脚步和击掌，为场景增加节奏感和张力。我喜欢弗拉明戈里那种痛苦的宣泄和命运轮回的质感，它能成为母女对抗时的能量出口。

我一直很喜欢舞蹈，现代舞、街舞、swing、国标、voguing等都接触过，也都是半吊子。但我挺喜欢这种接触舞蹈的方式，同样的身体部位在不同舞种中被一次次重新塑形，好像我的身体也拥有了多重性格。

遗憾的是我不太有机会成为专业舞者，但成为导演后，我反而觉得可以用影像留住这些舞蹈，让它们以另一种形式和我一起存在——其实拍摄本身也像是一场舞蹈。摄影机的移动、节奏、呼吸，与舞者的身体互动时，就像是另一种“双人舞”。所以在创作里，我希望不仅是记录舞蹈，而是让影像和舞蹈真正共舞。

《额温枪女孩》，郭容非

《梳头》选角需求

少年舞者:

A:8-14岁女孩，擅长国标舞/现代舞

B:8-14岁女孩，国标舞/现代舞舞感好，同时会演奏琵琶

成年舞者

视觉年龄25-35岁之间，女性舞者，国标舞/现代舞专业舞者。

有无影视表演经验均可报名

需要全程参加舞蹈排练及影片拍摄。

请将个人介绍、舞蹈视频片段发送至columbustudio@foxmail.com

或添加微信报名:lelecwj

今年投递的舞蹈实验室方案，从年龄结构上讲，创作者都很年轻；从主题上来看，我能从不少方案中看到创作者在现实社会中遇到的工作压力、人和人之间的关系甚至是权力关系，看到他们面对的处境和困惑，也看到某种反抗——再通过舞蹈或者舞蹈影像，不管是完成一种反抗、还是跟自我或对立关系的和解，我觉得都是挺有力量和批判精神的。

在舞蹈影像中，“为什么要跳”这件事对我来讲很重要—— 一言不合就开跳，会让我无法理解它的逻辑性，也会让片子看上去非常晦涩。作为今年舞蹈实验室的导师，比起过往作品，我更关注当下的方案是否体现了这一点。

NOWNESS天才计划舞蹈影像单元展映过一部短片，让我印象很深刻，叫《斐波那契数列》（Fibonacci），它没有那么复杂、把肢体表达做得浮夸，我反而从中找到了一些感受和启发。

有时候看到创作者报过来的一些提案，我会觉得像是在套概念、用肢体去解构，而不是有一个原发的初衷——但跳舞的核心不就是自由表达吗？我想舞动我就舞动，这种舞动的根源并不在于表达一个特别高深的概念，而应该是反过来的，我先去表达，再从表达中慢慢找到探索和延伸。

在我的概念里，舞蹈作为一种表达时，可以是很自由、不受规则限制的；但是当它成为一个作品时，我认为应该有一定的逻辑性。这个逻辑性不是指电影叙事的形态，而是说创作者希望通过跳舞来展现怎样的社会情绪，或是反映自身处境和某种文化议题。在舞蹈影像中，使用身体语言或肢体表达的合理性、逻辑性，我还是希望有一定综合，不要显得那么突兀，这是我在选择方案时会侧重考量的地方。

舞蹈创作实验室过往作品《环岛》，魏德安

从这一点出发，我觉得《失眠飞行模式》和《梳头》两个方案，不论是叙事的逻辑性、跳舞的逻辑性还是肢体表达的逻辑性，我都能看得到她们的自洽，这也是我们最终选择的很大原因。除此之外，她们的故事也更聚集当下、聚焦某个具体家庭中的人物关系，同时也反映出创作者对于这个时代的看法和情绪，这些是让我觉得有趣的地方。

在面试的时候，我一直很关心《失眠飞行模式》究竟会跳什么样的舞蹈，我会觉得它更像一种肢体剧表演，而不一定是某个舞种。后来导演说想尝试默剧，我就觉得很有意思，我认为肢体和节奏的重复可以带来一种荒诞的幽默性以及力量感。《梳头》讲述的故事本身是相对常见的，但结合舞蹈会让我觉得很感兴趣。它本身反映了一种冲突，不管是从父母还是上位者的角度，还是关于驯化和不接受驯化，都很合适用舞蹈、用肢体来表达。在这两个方案中，我都可以很清楚地看到她们未来呈现的样子。

我们在看舞台时，看到的往往是全貌、一种大画幅的集体呈现，当然导演也会通过舞台调度让观众聚焦在某些动作上。但当它成为舞蹈影像之后，不论是从视觉的角度、特写、镜头，还是肢体调度的结合，我觉得肯定能实现的是另外一种风味，而这另外一种风味是完全区分于舞台呈现的东西，这也是舞蹈影像、肢体影像能受到这么多人喜欢的一个重要原因。我觉得它是一个阀门，打开阀门之后，大家必须进入到这种假定性的影像世界里来，这是很有意思的。

舞蹈创作实验室过往作品《未来舞厅》，二高

我觉得在当下，每个青年创作者面对的东西都不太一样。我们做剧团时，也会有更偏作者向和更偏市场向的创作，大家经常会讨论“如何在市场跟作者取向之间做平衡”，从我自己的角度来说，我现在越来越觉得这是一个伪命题。

当我们试图在两者之间取得平衡的时候，往往可能会造成一个结果，就是两边都平衡不了。所谓的平衡其实是一种修饰的、粉饰过后的创作态度——这个时代的观众看到“平衡过”的东西，是能敏锐感知到你的意图和创作态度的。我倒是觉得从青年创作者的角度来说，无论是面向市场还是自我表达，只要选好了，就可以往更极致的方向去做，因为其实市场也好，受众也好，都会越来越细分的。

从我的角度出发，我觉得青年创作者未来要面对的挑战可能是，不停地有人会说你要做平衡、说你要兼顾，我觉得最好的方式是应该找准你的定位、找准你的合伙人，朝着最极致的方向去努力，如何在这条路上走得更坚决笃定一些，那才是他在成长过程中可能会面对的诱惑或者挑战。